Opening, de Philip Glass, la versión del disco

En el concierto del Palau de la Música, Philip Glass cerró el concierto con la primera pieza de su obra Glassworks, de mediados de los 80. En este disco prácticamente abandona el minimalismo y hace su música más accesible. Se trata de una de las piezas más conocidas de Glass, y la repetición típica del estilo minimal no la hace pesada en sus seis minutos de duración.

Philip Glass interpretando Mad Rush en directo

La primera de las piezas que interpretó Philip Glass fue Mad Rush, escrita originariamente para órgano y según creo recordar para el Dalai Lama. Se trata de una pieza muy simple en su estructura, pero que se va volviendo compleja rítmicamente a lo largo de sus casi quince minutos de duración.Sorprende ver como toda una leyenda como Philip Glass, uno de los padres del minimalismo, estilo musical que ha influido en muchos artistas ( sean o no capaces de reconocerlo), a sus 82 años, con movimientos agarrotados, se atreve a interpretar una pieza con una energía y un vigor insospechados. Y aquí obra el milagro. A pesar de su repetición, la pieza es de una belleza tal y la interpretación es tan personal e irrepetible que se me hizo corta. Todo un lujo poder disfrutar de la música interpretada por su propio compositor. 

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Este es el Philip Glass más perfilado de la composición, resuelto gestualmente con una clave de colores directamente complementarios ( naranja y azul, y en segundo grado un amarillo limón con un azul violáceo ). Cuando escuchamos la música de Glass en lo último en que pensamos es en este tipo de imágenes tan gestuales... pero sólo en un primer momento. No sé porque, pero creo que estas imágenes expresionistas casan mejor con su música que un trabajo más mimético e hiperrealista. En cierto sentido, la música de Glass se impone, no representa nada, sino que es algo en sí misma, la presencia de la misma al ser interpretada en directo sorprende. Es lo que yo quiero que pase con estas imágenes, que sean algo más que representen solamente algo.

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4 Philips desvaneciéndose, 50x40 cm, técnica mixta, 2016-2019

En mayo de 2019 pudimos ver en Barcelona a Philip Glass, que a sus 82 años aún se ve con fuerzas para interpretar su obra en directo ( tocó al piano Mad Rush y Opening, dos de sus piezas más populares ). Hace unos años trabajé con el retrato que le hizo Chuck Close allá por los setenta o sesenta, no recuerdo bien, con plancha eva a la manera del grabado, y después interviniendo la imagen. Es curioso lo preparados que estamos para reconocer rostros una vez ya tenemos el patrón fijo del mismo. En esta composición sólo se deja ver un Philip Glass medianamente perfilado, pero sorprende que no nos haga falta más para ver que se trata siempre de la misma persona. En esta serie de trabajos mi referencia era, claramente, el trabajo de retrato de Warhol y sus serigrafías. Pero al realizarlo con pintura se pierde el efecto de arte hecho a máquina que pretendió siempre Warhol para sus obras, y a mi me queda una obra vagamente expresionista y a veces incluso fauvista, que me recuerda a Matisse, Derain o Vlaminck,

Construcción con diagonal, 65x50 cm. técnica mixta 2019

Marca la casilla correcta, 65x50, técnica mixta, 2019

No tienes que hacer las preguntas. No es tu trabajo. Tu solo marca la respuesta correcta. La pregunta ya la hemos hecho nosotros. Nosotros decidimos por tí. Tu marca la respuesta correcta, la que queremos ver. No importa lo que tu quieras, tampoco nos importa lo que tu sientas. Tu solo marca. Nos sirves para eso. Ya sabes de que va todo esto. Le llamamos libertad. Pero no importa lo que tu quieras, su solo tienes que marca la respuesta correcta. Adáptate.

Pasadizo, 65x50, técnica mixta, 2019

Aún puedes ser de los nuestros,65x50, técnica mixta, 2019

Aún puedes ser de los nuestros, ya sabes cual es nuestra bandera. Sólo tienes que quererlo y podrás ser como nosotros, y entonces ya nunca volverás a estar solo. Tienes que adaptarte. Tienes que olvidar. Tienes que odiar de dónde vienes. No importan. Aún puedes ser de los nuestros, pero no como nosotros. Porque tu no eres de aquí. Eres ciudadano de segunda. Pero que no parezca que no eres de los nuestros. Ahí tienes nuestra bandera. Y será también la tuya. Porque si no eres de los nuestros, eres de los otros. Si no eres de los nuestros, eres el enemigo.

La vida es un soplo, Oscar Niemeyer, 65x50, técnica mixta, 2016-2019

El gran arquitecto brasileño Oscar Niemeyer, que murió a los 104 años después de toda una vida dedicada a la arquitectura, siempre me pareció un gran personaje. Creador de una arquitectura impresionante y sensual, le gustaba sentarse a contemplar la gente en la playa de Copacabana fumándose un puro. Su frase " la vida es un soplo" , cuando el estuvo a punto de cumplir los 105 años, da como mínimo para pensar un rato, pero no mucho, que la vida es un soplo.

Stilleben ( Naturaleza muerta) , técnica mixta, 65x50, 2016

Paisaje cubista con grúas, 2016, 65x50, técnica mixta sobre cartulina Canson

Las grúas han vuelto. Empiezan a alzarse de nuevo sobre las casas viejas y sobre los pisos que tienen ya más de treinta años de olvido.Las grúas han vuelto. La promesa de grandes ganancias y de dinero a espuertas ha vuelto.Las grúas vuelven a arañar el cielo y han venido para quedarse. Siempre supiste que volverían. El horizonte siempre quedará más lejos. Ellos alzarán nuevos edificios. Y el mar ya no se ve. Y tampoco las montañas. Y el cielo está más sucio. Han vuelto. Han vuelto para quedarse, tu lo sabes tan bien como yo. Son los heraldos del progreso, dicen. Como la otra vez.

Saturno devorando a sus hijos, detalle de las manos

No podemos entender la pintura moderna sin el collage y sin el cubismo. Aquí realicé una interpretación de un detalle de la obra de Goya, las manos de Saturno que oprimen el cuerpo de su ¿hija?, y utilicé una técnica como conocida, un esgrafiado a lapiz sobre un cartón con base de ceras de colores cubierta por una capa de cera negra.El tramado me recordó más al lenguaje preciso de Durero antes que a la vaguedad expresiva de Goya.

Saturno devorando a sus hijos, detalle

Para mí, lo más escalofriante de la obra de Goya es la expresión del rostro de Saturno, más que el cuerpo de niña ( aunque según el mito no devora a ninguna niña, el cuerpo que pinta Goya sí es femenino). Porque Saturno está fuera de sí, está devorando a sus propios hijos sin posibilidad de evitarlo. El horror es indescriptible ¿fue a causa de la sordera que Goya lleva a la realidad sus visiones de pesadilla? La impotencia y la frustación las veo reflejadas en el rostro de Saturno, así com el asco , de lo que está haciendo y de sí mismo, de ver en qué se ha convertido y no poder hacer nada. Como el Gregor Samsa de la metamorfosis de Kafka,pero mucho más trágico. Podemos llegar a sentir una pena infinita de este Saturno consciente de su propia monstruosidad.

Saturno en negro2, all you need is love 2 , 2016-2019

Todas estas obras se han realizado con técnica mixta ( cola de conejo y pigmento mineral, témpera, pastel, sanguina, ceras y lápices de color ) sobre una cartulina Canson de 50x 65 cm. La ventaja de trabajar con el mismo formato es que te lleva a la idea de realizar series, de trabajar con un número limitado de elementos, que puede ser una clave de color, unas proporciones y unas tonalidades,matices y grafismos, así como también una serie de imágenes, en mi caso en la interpretación que yo hago del constructivismo pasado por el filtro de las vanguardias. Pero estamos hablando solamente de cuestiones estilísticas,¿ qué es lo que significa realmente la obra de Goya y como la podemos interpretar hoy en día ?
Por otra parte, cuando empiezo una obra no se como la voy a acabar. Las realizo como en una especie de improvisación, a partir de algunos elementos plásticos y de imágenes, pero no hay un cálculo determinado ni un boceto de lo que quiero hacer. Creo que cada obra es independiente, aunque también pienso a veces que no estaría mal probar el método académico clásico y racional, con el que aprendió también el mismo Goya.

Saturno en negro, all you need is love? 2016-2019

En la tradición de la pintura constructiva, y de la abstracción geométrica heredera del cubismo, la figuración se descarta. Volverá a aparecer de nuevo en el pop art y también en la pintura postmoderna.El cubismo siempre parece difícil de interpretar ; algunos dicen que se trata de intentar representar en una sola vista todas las vistas posibles del modelo, pero ¿ porqué ocurre esto? Contextualizándolo, el cubismo nace en los albores del s.XX, en medio de grandes cambios sociales y tecnológicos. La aviación, la luz eléctrica, el teléfono, la posibilidad de explorar otras dimensiones, desde un espacio que ya no se concibe como estático sino dinámico ( tal vez la experiencia del cine, el arte del espacio y del movimiento que también nace por esta época ), forman parte del mundo en el que nacerá el cubismo y toda una nueva de enfrentarse al mundo. Esto es lo que yo creo que quiere decir el cubismo : las cosas no son tal como tu las ves. Y por este motivo los bodegones cubistas representan no sólo el mismo objeto desde diferentes puntos de vista, sino con diferentes técnicas representativas, seccionado, desde dentro ... ¿ pudo haber un cubismo expresionista ? algo intentaron los cubistas checos, pero el cubismo siempre quedo fuera de la expresividad del artista.

Saturno en negro , all you need is love? 2016-2019, detalle

Una de las cimas del arte pictórico son, sin ningún género de dudas, las pinturas negras de Francisco de Goya. Ubicadas en los muros de la llamada Quinta del Sordo, ya desaparecida, en la actualidad están en el Museo del Prado de Madrid, para disfrute y estudio de la condición humana y del arte de todos los públicos. Tal vez una de las obras más impactantes sea el de Saturno devorando a sus hijos.¿Que es lo que le pasaba a Goya por la cabeza cuando estaba pintando algo tan oscuro? probablemente nunca lo sepamos y solo nos queda la interpretación que cada cual pueda hacerse de ella.